Discurso de V de Vendetta

Aquí os dejo con una pequeña parte del discurso de "V" en la película "V de Vendetta", una de mis películas favoritas. Esta película posee un significado bastante profundo que en mi opinión invita a la reflexión al margen de cualquier tendencia política. Se aceptan opiniones.

Francisco de Goya

Activo en la corte de España,  Francisco de Goya era el más cotizado de los retratistas de Madrid. Una grave enfermedad (1792), los contactos con los círculos liberales y la invasión francesa (1808) causaron en él un cambio radical tanto a nivel estilístico como en el modo de concebir el papel del artista. En dos notabilísimas pinturas (La carga de los mamelucos y El 3 de mayo de 1808: fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío) Goya representó vívidamente los dramáticos acontecimientos del 2 y el 3 de mayo de 1808, cuando los franceses respondieron a la resistencia de la población española con represalias y fusilamientos en masa. Pero en vez de celebrar el heroísmo de los insurrectos. Goya destaca la violencia del suceso y el terror de los condenados a muerte. En una serie de grabados realizados para él mismo, Goya exploró el pozo de su imaginación; los Desastres de la guerra (1810-1820) expresan su sentimiento de profunda repulsión por el horror, la brutalidad y la inutilidad del conflicto armado. Sus últimas obras, las llamadas “pinturas negras”, eran pinturas murales que compuso en su residencia (La Quinta del Sordo). En estas pinturas la interpretación en clave trágica y a menudo grotesca de temas religiosos y mitológicos deja al desnudo las fuerzas emotivas e instintivas. 

                             La carga de los mamelucos

El 3 de mayo de 1808: fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío

“Quien intente aclarar un poco la verdad de lo que fue Goya se hallará inmerso inmediatamente en una atmósfera mágica: su leyenda. Esta leyenda goyesca es uno de los hechos más curiosos de la mente colectiva contemporánea y merece que se le dedique alguna atención”. Así escribió a propósito de Goya, en un ensayo memorable, el filósofo español José Ortega y Gasset (1883-1955). Como muchos otros españoles, Ortega y Gasset declaraba haber “vivido intensamente” a Goya: es decir, haberse enfrentado con su pintura en un encuentro que definía como “eficaz, penetrante, inquietante”. ¿Cómo es posible –se pregunta-, que el hombre que puede pintar, por ejemplo, un cartón para tapiz titulado El ceramista, o bien una tela como El quitasol, en el que, como escribía Ortega y Gasset, “se sueña con el mejor de los mundos posibles”, sea el mismo hombre que asesinó las paredes de su propia casa recubriéndolas con los terribles garabatos de las llamadas “pinturas negras”? La hipótesis de Ortega y Gasset al responder a este interrogante es que el contacto más bien tardío del pintor –a unos cuarenta años de edad- con un estilo de vida más refinado habría producido en él efectos contraproducentes. En pocas palabras, su persona se había “disociado” como en dos almas, y esta dualidad no le abandonaría ya jamás: Goya habría, en resumen, convivido con el alma popular cercana a sus orígenes, a su formación y a su juventud, y con una presencia confusa de la que Ortega y Gasset llamaba “normas subliminales, etéreas”. En otras palabras, el mundo de la cultura y el de la tradición. La sordera que atacó al pintor en 1792 habría después exacerbado este estado de ánimo conflictivo casi hasta los límites de la patología, aprisionándolo en una atormentada soledad.

Saturno devorando a su hijo

Goya

Las Meninas de Velázquez

Las Meninas es el cuadro más famoso de Velázquez y de las más representativas del Museo del Prado. Fue pintada por el genial artista sevillano en 1656 según Antonio Palomino, fecha bastante razonable si tenemos en cuenta que la infanta Margarita nació el 12 de julio de 1651 y aparenta unos 5 años de edad. Sin embargo, Velázquez aparece con la Cruz de la Orden de Santiago en su pecho, honor que consiguió en 1659. La mayoría de los expertos coincide en que la cruz fue pintada por el artista cuando recibió la distinción, apuntándose incluso a que fue el propio Felipe IV quien lo hizo.

La estancia en la que se desarrolla la escena sería el llamado Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas, en la pared del fondo hay dos copias pintadas por Juan Bautista del Mazo -alumno y yerno de Velázquez- de dos cuadros mitológicos de Rubens (Minerva y Aracne) y de Jordaens (Apolo y Pan).

En Las Meninas se representa a la infanta Margarita (1651-1673), hija de Felipe IV (1605-1665), rodeada por sus damas de companía o meninas María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco; dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto.

Los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.

A la izquierda, Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, cometiendo la osadía de aparecer junto a la realeza pero con la sutileza de que los monarcas no están presentes, sino reflejados en el espejo. A partir de la descripción de una escena palaciega comienzan a proponerse posibles mensajes o simbolismos. El más evidente es la reivindicación de la nobleza de la pintura entendida como oficio de artistas y no de artesanos, como sucedía en la época.

También se han interpretado algunos personajes como alegorías: la enana tiene una bolsa de monedas en las manos como símbolo de la codicia, el enano, que molesta al perro, podría representar la malicia. Técnicamente, esta obra barroca supone un gran avance en la complejidad de perspectivas, composición y plasmación de la atmósfera a través de la iluminación de la escena.